La fedeltà alla luce del Nord di Hammershøi

Hammershøi impara a disegnare a otto anni, e poi a dipingere. Per coltivare il suo talento la madre, viste le possibilità della famiglia borghese benestante, lo fa seguire da maestri di fama. Studia poi all’Accademia Reale di Belle Arti Danese e frequenta dei corsi della Scuola di studio indipendente, dove ha come insegnante Peder Severin Kroyer. Non fu il solo artista in famiglia: anche il fratello minore Svend Hammershøi (Frederiksberg, 1873 – Copenaghen, 1948) diventò pittore, oltre che rinomato ceramista. Nelle tele del fratello compaiono boschi invernali e alberi scarnificati. Quello che lo accomuna a Vilhelm è la scelta dei colori, incentrata su toni bruni e grigi, smorzati e tendenti alla monocromia. Nel 1888 Hammershøi conosce il dentista Alfred Bramsen, che diventerà il suo principale collezionista, nonché amico, biografo e catalogatore e, durante un soggiorno estivo in compagnia, dipinge “Interno con vecchia stufa”, il primo degli interni vuoti che diventeranno sua cifra distintiva, portandolo fino al capolavoro “Luce del sole nel salotto III” del 1903. Dal settembre del 1898 e fino al 1909, Vilhelm e la moglie Ida abitano in un appartamento al primo piano di un edificio seicentesco ubicato al numero civico 30 di Strandgade, una delle vie principali del centrale quartiere di Christianshavn a Copenaghen. L’austera casa dalle pareti spoglie diventerà il soggetto principale delle scene d’interno di Hammershøi, dove la poetica del vuoto e della luce che lo renderà celebre giunge alla piena maturazione. Anche altri pittori realizzavano opere che avevano per oggetto dismessi interni domestici, come il francese Charles-Marie Dulac e il belga Georges Le Brun, ma questi avevano una luce calda e un’atmosfera serena.

Pochi sono i ritratti che Hammershøi realizzò, e solo di persone a lui care quali la sorella, la madre, il fratello, l’amata Ida, gli amici, nonché il figlio del generoso mecenate Alfred Bramsen, Henry, violoncellista della cappella reale danese. «Non mi piacerebbe fare il ritrattista: non mi interessa che sconosciuti vengano a trovarmi e mi commissionino il loro ritratto.  – sosteneva – Per dipingerli, servirebbe che li conoscessi bene». Quella di Hammershøi è infatti una ritrattistica anticonvenzionale. Colpisce in mostra il ritratto frontale di Ida del 1890, un precoce capolavoro realizzato quando era ancora sua fidanzata. Gli occhi della giovane donna mostrano uno sguardo assente e il colore della giacca che indossa si confonde con quello dello sfondo. Questo perché Hammershøi non vuole attribuire a Ida un determinato stato psicologico. Eppure, proprio grazie a questo, l’immagine trasognata della ragazza colpisce e s’imprime con forza in chi osserva. Nell’opera del 1911, poi, Vilhelm e Ida appaiono insieme riflessi in uno specchio, e la moglie, come spesso avveniva, è ripresa di spalle, come a sottolineare un senso di incapacità comunicativa in cui non c’è disperazione, ma una pacata e malinconica accettazione. Se le presenze alla Biennale di Venezia del 1903 e 1932 servirono per confermare la fama e il prestigio acquisito, la luce della laguna però, da cui molti pittori vengono ancora oggi rapiti, non modificò la sua raffinata poetica, che rimase connotata da quei toni grigi e malinconici, rimanendo fedele a se stesso. Nel 1911 partecipò all’Esposizione Internazionale di Roma con il capolavoro in cui raffigurava la moglie di spalle con i capelli raccolti e la nuca scoperta, con insolita sensualità. Roma parve lasciare il segno: il sole del meridione rense l’unica sua opera ambientata in Italia, “Interno della chiesa di Santo Stefano Rotondo a Roma” realizzata ancora nel 1902, con colori leggermente più caldi.

La sua poetica, che pone al centro il tema del silenzio, si allarga dai suoi dipinti a quelli di altri artisti a lui coevi e della generazione successiva, tanto che dai pacati interni danesi si arriva alle vedute urbane deserte e ai notturni desolati che tanta fortuna ebbero in Francia, Belgio e Italia negli anni in cui visse Hammershøi. In mostra vengono così analizzati pittori affini ad Hammershøi per sentire artistico, fino ad arrivare a quei pittori del silenzio, che tra la fine del’800 e i primi anni del ‘900 realizzavano opere malinconiche e immobili in ambienti naturali. Tra questi, non mancano in mostra due opere di Umberto Moggioli che, sempre con fare contemplativo, esprime il desiderio di meditazione e una predilezione per i luoghi silenziosi e solinghi, come fu per lui l’Isola di Burano, che trovano esempi in mostra nelle opere “L’isola del silenzio” e Giardino al tramonto”. L’ultima sala presenta un tributo alla pittura di Hammershøi del fotografo spagnolo Andrés Gallego, che nelle sue fotografie evocative e minimaliste ha ricreato le scene degli interni delle opere del pittore danese, talvolta con la presenza come modella della moglie, proprio come Hammershøi faceva con la sua musa Ida.